DerSchweiger

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

Nobody 2 [Sneak Preview]

Nobody muss seine Schulden aus Teil 1 begleichen und soll Schurken kloppen. Das macht er gut, bloß fehlt er zu Hause beim Abendessen. Seine Frau will nicht mehr, Nobody nimmt dann Urlaub – also Happy End?
Natürlich reisen sie in ein Nest, wo ein illegaler Umschlagplatz diverser Substanzen (auch eine Biowaffe, die witzigerweise im Film den Flammen zum Opfer fällt, aber irgendwie keine Sau mehr so richtig juckt) betrieben wird.
Folge? Nachdem ein Halunke Nobodys Tochter das Kuscheltier kaputt macht, kloppt er sich in der Gaunerhierachie nach oben, bis er der Oberschurkin (Sharon Stone) gegenüber steht.

Teil 1 fand ich tatsächlich noch schaubar, hier wird die Absurdität ins unendliche getrieben. Kein neues Phänomen, und wer lacht nicht gerne herzhaft, wenn Menschen Körperteile abhanden kommen oder sie sonstwie ermordet werden. (OK, bei „Mr. No Pain“ war die Pointe eine Andere)
1 Mann gegen 20 Gauner mit Schusswaffen? Kein Problem, er hat ja eine Bratpfanne…. und so weiter, und so fort.
Ist wieder in Mode, in gut einem Jahr bestimmt 5 oder 6 Filme unter diesem Motto im Kino gesehen.

Kann man mögen, muss man nicht. Zwei oder drei Gags waren gut, wurden dann aber bis zur Langeweile weitergenudelt.
Nicht mein Thema, ab Minute 20 hart an der Grenze zur Langeweile.
Lässt mich völlig wertfrei absolut kalt

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Ganzer halber Bruder [Sneak Preview]

Vorige Woche bekam mein Sneak Besuch harte Konkurrenz: „Der weiße Hai“ wollte mit meiner Frau geschaut werden. Wurde hier ja auch schon behandelt – für mich ein gefühltes Glück, dass die Kinosynchro genutzt wurde. Kein Rummsbumms? Kein Problem, der Film lebt durch andere Highlights. 9,5/10

Im Foyeur erfuhr ich dann, dass vorige Woche ein Horrorstreifen lief („Bring her back“ – nach „Together für viele der Horrorfilm des Jahres… vielleicht habe ich dann ja nichts verpasst )
Die Sache war aber klar – dieses Mal kein Horror.
Meine Begleitung daher erleichtert, ich in Hoffnung auf Action oder so.

Tja, es prangert sofort das ZDF Logo auf der Leinwand. Ja gut, dann wohl was mit Sawatzki… oder wie?

Thomas kommt aus dem Gefängnis raus. Zwei lange Jahre saß er wegen Immobilienbetrug. Sein Auto (ein Cabrio) steht zum Glück noch an Ort und Stelle, eine alte Bekannte will auch sofort mit ihm Knattern. „Steig doch in mein Immobilienprojekt in Spanien ein“ schlägt sie ihm dann vor, nachdem er ihr erzählt, dass er ab sofort keinen Cent mehr in der Tasche hat.
Nur gut, dass er notariele Post erhält: Seine Mutter hat ihm ihr Haus im Rahmen einer Schenkung überlassen, nun liegt sie im Sterben und die Hütte geht dann wohl in seinen Besitz über. Zwei Haken: Seine Mutter hatte ihn als Baby zur Adoption freigegeben, ein Kontakt zwischen beiden gab es zeitlebens nicht.
Der andere Haken wiegt dagegen schwerer: Thomas hat einen Halbbruder. Sunny (weil er dieses Lied liebt) hat Trisomie 21 und bekommt lebenslanges Wohnrecht im Haus.
Dumm gelaufen, so lässt sich das Haus nur schwer verkaufen.
Es sei denn, Thomas findet einen Weg, Sunny in eine entsprechende Einrichtung zu „vermitteln“.

Tja, und damit sind auch schon alle Witze erzählt. HahahaHuhuhu… er mag keine Schokolade mit Traube/Nuss und wirft sie schimpfend auf den Boden… Hahaha… die stellen sich auf einen Tisch und der kracht dann ein und dann liegen die da so auf der Wiese und dann…. Hahaha, der Thomas fährt doch so ein Cabrio und sagt Sunny, dass sie nachher mit dem Cabrio fahren, und dann regnet es und der Thomas will das Dach drauf machen aber Sunny sagt, „Nein, Cabrio“.. ja, Hahaha, dann fährt man im Regen ohne Dach und alle sind so nass und so.
Und dann – jetzt festhalten – da muss sich der Sunny in einen fremden Kleiderschrank verstecken, und als er da rauskommt ist voll mit alten Frauenkleidern angezogen…Hahaha!

Ja gut, Humor ist subjektiv – hier bewegen wir uns aber eindeutig auf „Bibi und Tina“ Niveau.
Darstellen möchte man ja auch bloß, dass Menschen „mit besonderen Bedürfnissen“ auch selbstständig leben können. Warum bevormunden wir sie also in entsprechenden Heimen und anderen Unterbringungen?
Es darf dabei bloß nichts schief gehen. Etwa, wenn der Bus zu spät kommen würde (ja gut, äußerst unwahrscheinlich) oder wenn der Mensch ein Nein hört, wenn er doch etwas ganz dringend will „Ich will Cabrio!“.
OK, es ist eben eine Geschichte über Integration – das halte ich ja auch für sehr richtig.

Umgesetzt ist das tatsächlich sehr mau. Christoph Maria Herbst spielt Christoph Maria Herbst. Zynisch und egoistisch, dabei stets belehrend… um dann doch sein Herz zu finden und das Gute mit allen Mitteln zu wollen, aber es ist auch immer wieder schön, wenn sich manche Dinge tatsächlich nie verändern.
Der Rest vom Cast kommt frisch von der Straße. Geschauspielert wird in keiner Sekunde, und dabei will ich Nicolas Randel als Sunny gar nicht mal in den Fokus stellen.
Die Handlung war dann aus Platzgründen auf eine Visitenkarte geschrieben: Du willst das Haus, aber dann findest duSunny doch ein bisschen gut, dann wieder doof weil das Haus doch so viel wert ist, dann aber findest du ihn doch gut und am Ende… (mehr Platz war eben nicht).

Kamera solala, Botschaft immerhin erwähnenswert. Ich vergleiche mal mit dem „Peanut Butter Falcon“. Zugegeben: Unfair.
Aber betrachtet man in beiden Filmen den Umgang mit dem Menschen mit Trisomie 21, folglich auch seine Inszenierung, spürt man hier deutlich das fehlende und nötige Händchen für Tiefe und Takt.
Dabei gibt es tatsächlich zwei, drei Szenen, die zeigen, was hätte möglich sein können.
Gut, man wollte kein Drama sondern eine lustige Komödie… Hex Hex, fast geklappt.

3/10

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

Reparud Rudrepa schrieb:

Krieg der Welten (2025, amazon Prime)
Vollsten Respekt für diese Produktion, denn so einen Rohrkrepierer hab ich echt schon lange nicht mehr gesehen.

Ab der ersten Minute ein wildes und immer hektischer werdendes Hin und Her zw. Teams, Facetime, Whatsapp, Teamviewer uvm. sowie unendlich vielen Überwachungskameras in allen möglichen Perspektiven. Das wirkt zunächst noch sehr modern für den Aufguss des H.-G.-Wells-Sci-fi-Klassikers, aber wem das gefällt, der wird sicherlich auch empfänglich sein für einen hoffentlich nie erscheinenden „Excel 365 – Der Film“.
Dann geht die Action richtig los und die Invasion beginnt und ganz schnell verschwurbelt sich die Handlung in Abstrusitäten, wobei persönliche Dramen auch noch zum Aufblähen der Handlung reingepumpt werden. Aber das Highlight der 90-minütigen Dauerwerbesendung ist dann, dass Amazon die Welt rettet. Das hier ist wohl der feuchte Traum von Jeff Bezos, aber in keinem Fall sehenswert.

Normalerweise würde ich noch 2 Punkte geben für Technik und Schauspieler (Ice Cube und Eva Longoria), aber angesichts der Verspottung der Zuschauer bin ich dazu nicht bereit.

0/10 Werbesendungen

Den habe ich gestern auch gesehen und konnte kaum glauben, was einem da vor den Latz gehauen wurde!
Stimme in allen Punkten zu und will noch hinzufügen, dass Du hier die positiven Dinge betonst
Besonders witzig der 24/7 alles überwachende Vater, der seine Kinder auf Schritt und Tritt stalkt – mitsamt Lesen der Chatverläufe etc! Und dann ist er empört, als die Aliens die Daten der Menschheit lesen wollen – ich kann nicht mehr!!

Bevor wir aber Amazon für ihre gute Tat auf die Schulter klopfen: Um die Welt zu retten, muss vorher noch artig bei denen eingekauft werden! – macht das mal, wenn alle Satelitten abgeschossen sind…. huihuihui.

Die 0/10 teile ich noch wohlwollend

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Together – Unzertrennlich [Sneak Preview]

In der jüngeren Vergangenheit grölt man ja schon vor Freude, wenn man bloß hört, dass ein Horrorfilm aus Australien in der Mache ist. Sicher, „Badabook“ und „Late night with the Devil“ sind stark – aber weil es Horror ist, gibt es auch hier viel Murks.
In welche Kärbe schlägt denn hier „Together“?

Tim und Millie sind schon lange ein Paar. Das Prädikat „junges“ Paar hat man offensichtlich auch hinter sich gelassen – für eine mögliche Familienplanung wird es eng.
Doch das ist nicht das einzige Problem: Tim hat ein Trauma. Seit seiner Kindheit – oh Schreck! Das hindert ihn daran, erwachsen zu werden. Als Mitte Dreißigjähriger fühlt er sich wie der 18jährige aufstrebende Rockstar… doch zu mehr als weinerlichen Träumen reicht es nicht.
Millie dagegen steht mit beiden Beinen im Leben. Um der Beziehung dann einen rettenden Kick zu geben, will sie aus der Stadt ins Land hinaus ziehen. Nicht so weit, nur 30 Minuten weit weg… für Tim dennoch eine Weltreise: Er kann kein Auto fahren.
Dort möchte sie an einer Schule arbeiten, Tim dann vielleicht an etwas anderem.

Doch wer ahnt es: Nada. Stattdessen stürzt man bei einem Spaziergang in eine dunkle Höhle. Aus Verzweiflung, verdursten zu müssen, trinkt man aus einem dunklen Tümpel.
Wer glaubte, bis hierhin sei es schon richtig gruselig, der schaue doch mal etwas weiter.
Von nun an scheinen Tim und Millie nicht mehr zu trennen zu sein. Verlässt Millie das Grundstück, gerät Tim in Panik, wird von einer Wand an die Andere geschleudert… uiuiui.
Der Traumageübte Tim ahnt schon früh, dass da etwas faul ist. Millie sieht in Tims unbehandelten Panikattacken einen Angriff auf deren Beziehung und sucht Rat bei ihren Nachbar Jamie.

Was zunächst auffällt: Die Protagonisten sind nicht ernst zu nehmen. Ewiges Geschwafel über die große Liebe, dann aber in einer äußerst toxischen Beziehung lebend. Er ist in allem von ihr Abhängig – er könnte nicht einmal in der Stadt einkaufen gehen, weil er kein Auto bewegen kann. Sie lebt die Beziehung wie eine Mutter zu ihrem heranwachsenden Sohn, der Stuss um Stuss begeht und dabei vergisst, den ersten Schritt in die Reife und Verantwortung zu gehen.
Sex haben sie natürlich auch nicht mehr. Schon lange nicht – daran scheint sein Trauma aus der Kindheit schuld zu sein.

Gemixt wird diese Prämisse durch einige durchaus gruselige Szenen und (teils) selbstreflektierenden Humor. Wie Tim als Trottel vom Dienst beziehungsunfähig durch diese lang bestehende Beziehung läuft, ist zum kopfschütteln. Die Lacher auf seine Kosten sind gewiss.
In Momenten, wo der Bodyhorror greift, wird mit Hilfe von Schnitt und Dialog der Schocker zum Schmunzler. Manchmal kann so ein Mix gelingen, manchmal geht es eben schief.
Im Grunde würde ich dazu neigen, den Humor als deplaziert zu beschreiben – aber es ist der einzige Faktor, der mich im Film gehalten hat.

Die Story in Horrorfilmen ist ja manchmal schräg – auch hier lässt es ich gut mit „Pipi-Kacka-Pups“ zusammenfassen.
Unabhängig davon steht die Frage, wie man es umsetzt. Der Ton ist nun gesetzt, die ständige Anziehung der Beiden im Laufe des Films aber überaus schrecklich dargestellt.
„Wir sind wie Magnete, die sich gegenseitig anziehen“… ja gut, deswegen diese schrecklich dumme Szene im Flur.
Dabei gibt es tatsächlich Stellen, die recht gut inszeniert sind. Nimmt man hier diesen blöden Humor raus, hat man richtig gruselige Momente.

Die Kamera arbeitet dabei recht solide, inzwischen „klassische“ Fahrten (Dusche) inklusive. Der Grusel in den dunklen Szenen ist gut eingefangen, und auch bei Tageslicht gelingen schaurige Aufnahmen. Nimmt man diese Momente zur Hand, hätte man einen richtig bedrohlichen Film aufziehen können. Lässt sich aber nicht verkaufen, also untermalen wir es mit Gags.
So wie bei „Clowns in a cornfield“ einige Zuschauer gesellschaftskritische Töne wahrgenommen haben und den Film als wichtigen Beitrag feiern, wird man auch hier wichtige zeitgemäße Töne gehört haben.
Schauspielerisch ist es Horror-Ok, dass ein Jamie mit minimalistischer Mimik die Protagonisten aber jederzeit in die Tasche zu stecken vermag, spricht Bände.

Wer eine Auflösung im Sinne einer Herleitung erwartet, wird möglicherweise enttäuscht. Es passiert, was passieren mag. Hier wird die ewige Liebe zu einem Horrorfest, aber rettet dieser Moment einen ganzen Film?
Sicher kann man nun die Psyche bedienen und interpretieren. Der Sturz in die Höhle vielleicht als Blick in sich selbst, dem Stellen der eigenen Unzulänglichkeit und dem Fehlen der Empathie gegenüber seines Partners, dass sich aufeinander einlassen indem man die inneren Werte und Sorgen des Anderen als Anlass seiner eigenen Handlungen akzeptiert… Und klar, das Auflösen seiner Selbst um sich völlig dem anderen herzugeben – oder anders: Das totale Vereinnahmen des Partners.
Er kann hier in beide Richtungen gedacht werden und möchte vielleicht klüger daherkommen, als er letztlich ist.

Oder dann doch schlicht: Tim erkennt, dass er die Handlungsunfähigkeit seiner Mutter nachahmt („ich bin nicht meine Mutter!“) und flüchtet in den Schoß der aktiven, zielstrebigen „Mutter“, die dann aber seine Partnerin ist.
Zusammengefasst möglicherweise die plausible Lösung und dann doch ewiger Schrecken unter dem Mantel einer liebevollen Vereingung.

Um einen „befriedigenden“ Effekt herzuleiten, hätte das Paar in seinen Sorgen ernst genommen und spürbar gezeichnet werden müssen. Dabei stecken sie in einer Beziehung, in der man bereits nach einer Minute in den Saal rufen möchte „Macht doch bitte einfach Schluss!“
Stattdessen werden beide Figuren (in meinen Augen) unnahbar und äußerst unsympathsich gezeichnet. Von Anfang bis Ende ist die einzig sinnige Lösung eine Trennung beider Figuren. Dass das Ende dann als schlüssig und als Zeichen ewiger Liebe gedeutet wird, will mir nicht in den Kopf.
Klar, Horror wählt nicht immer das Happy End, soweit ist mir das klar. Die Reise in den Horror funktioniert dann aber auch nur, wenn man einer Figur folgt, mit der man anbandeln kann.

Für mich, vermutlich aus „falschen“ Gründen, ein beinahe unerträglicher Film, der den Horror dort findet, wo andere ihren persönlichen Regenbogen suchen.

Eine Wertung fällt schwer. Von „Schund“ bis „Schade. Hätte man an einigen Schrauben gedreht, hätte…hätte“ ist die Bandbreite groß.
Für einige Filmkritiker einer DER Filme des Jahres (Puh!), bei mir letztlich knapp unter OK.

4/10

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

The Life of Chuck [Sneak Preview]

Vor einigen Wochen hörte ich zufällig, dass eine Kurzgeschichte von Stephen King für das Kino verfilmt worden sei. Na ja, die Vorfreude ist zwar da, aber man denkt dann auch an die jüngeren Missgeschicke, die sich „King-Verfilmungen“ schimpfen durften.

Marty ist Lehrer in Amerika und mit ihm erleben wir zunehmend auftretende Naturanomalien. In Deutschland bricht ein Vulkan aus, Teile der Vereinigten Staaten sind im Meer versunken, Dürren, Überflutungen weltweit, in Japan ist ein Reaktor durch Naturgewalten zerstört worden. Auch die Bienen sind ausgestorben.. und zu allem Überfluss bricht dann auch das Internet unwiderruflich ab. Die anschließenden Elterngespräche gestalten sich schwierig – wie sich die Kinder der eingeladenen Eltern verhalten, will so wirklich niemand wissen.
Auch Marty dämmert es: Die Dinge könnten irgendwie aus dem Ruder laufen.
So macht er sich zu Fuß (denn sämtliche Straßen sind unpassierbar) auf den Weg zu seiner Ex-Frau. Auf dem Weg dorthin taucht auf den Werbetafeln eine merkwürdige Nachricht auf: „Danke für 39 großartige Jahre, Chuck!“.
Wer ist Chuck, und warum muss ihm gedankt werden?

Der dritte Akt der Geschichte endet, bevor Akt zwei und eins erzählt sind. Clever? In diesem Fall unabdingbar.
Der Zuschauer erfährt in Folge von Chuck und vielleicht auch vom Weg in die Katastrophe…

Kurz: Die Kurzgeschichte „Chucks Leben“ stammt aus der 2020 erschienenen Geschichtensammlung „Blutige Nachrichten“. Hier finden wir auch „Mr. Harrigans Phone“, das vor einigen Jahren verfilmt wurde. „Blutige Nachrichten“ empfand ich als schwache Holly Story, „Die Ratte“ auch eher nicht gut.
„Chucks Leben“ war mir aufgrund seiner Erzählweise und Inhalt tatsächlich länger in Gedächtnis geblieben.

Diese Verfilmung hier hält sich sehr nah an der Vorlage, erweitert sie in minimalistischer Weise an der einen oder anderen Stelle – weiß damit aber wunderbar zu glänzen.
Die drohende Apokalypse entfaltet sich im Laufe des Films in einer philosophisch angehauchten Auseinandersetzung mit dem Wert des Lebens und wie wir es zu füllen wissen.
Das ist, schlicht ausgedrückt, umwerfend!
Dinge, die möglicherweise nicht zusammenpassen, fügen sich zu einer stillen aber intensiven Geschichte, die fesselt und zur Gänsehaut einlädt.

Schauspielerisch ist das alles hier erste Sahne! Tom Hiddleston als namensgebende Figur taucht beinahe bloß als Nebenfigur auf. Der junge Chuck kommt da aber intensiver in den Fokus. Hier rocken Benjamin Pajak als „junger Chuck“ und Jacob Tremblay als „heranwachsender Chuck“ die Show. Unglaublich intensiv, authentisch und unbekümmert. Einige Kameraeinstellungen, in denen etwa der junge Chuck im Gespräch mit seinem Großvater oder in Interaktion mit seiner Großmutter zeigen, sind zum Niederknien.
Mia Sara als Großmutter zeigt eine Frau mit viel Herz und Liebe, Mark Hamill ist als gebrochener Mann das Gegenstück zu ihr.
Sein Schauspiel lässt beinahe vergessen, dass er der junge Skywalker war (den Alten hat man möglicherweise tatsächlich schon vergessen). Mit einer kleinen Ausnahme im letzten Drittel ist seine Performance saustark. Ich hätte nicht geglaubt, dass er zu so einer Leistung imstande ist.
Der Lehrer, die Ex-Frau, der Bestatter, der Nachbar, die Tanzlehrerin… gibt es jemanden, der unter Niveau spielt? Hier nicht.

Gefilmt ist der Film in teils wunderschönen Bildern. Die jeweiligen Szenen sind schön ausgespielt, kein Schnittgewitter oder übertriebene One-Takes. Hier hat jemand ein wahrlich goldenes Händchen bewiesen.
Die gewählten Perspektiven reichen von unauffällig gut zu sehr gut eingefangen. Über schlechte CGI muss man zum Glück nicht diskutieren. Da, wo sie stattfinden, sind sie durchaus beeindruckend eingesetzt.
Die Soundkulisse ist in einigen Szenen eine Wucht („Ich habe Angst!“), fügt sich auch in Folge immer toll in die jeweilige Szene ein.

Dass die Story in Summe sehr schlicht, trotz King´scher übernatürlicher Noten und jederzeit wie aus dem Leben gegriffen wirkt, macht sie möglicherweise so besonders.
Eine Ode an das Leben, ohne dabei permament auf die Tränendrüse zu drücken.

Junge, Junge – das mich ein King-Film so packen kann, hätte ich nicht geahnt.
Top Ding, der Film!
Ob die kommenden King/Bachmann Verfilmungen „Running Man“ und „Todesmarsch“ da anknüpfen können?? Im Falle von „Todesmarsch“ wünsche ich mir zumindest einen guten Film – ist schließlich mein liebster Bachmann Roman.

9,5/10

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Homestead [Sneak Preview]

Zwei Terroristen auf einem kleinen Kutter zünden vor der Küste Amerikas eine Atombombe.
Hui, ab hier sicher die üblichen „The day after“ Zitate… man darf gespannt sein.

Tatsächlich hat man bei diesem Szenario sofort zerstörte Häuser und Landstriche vor Augen. Menschen fliehen schreiend und bleiben im Chaos auf den Highways stecken. Plünderer ziehen durch das Land, jeder ist sich selbst der Nächste.
Von all dem sehen wir hier so gut nichts.

Nachdem Jeff in den Nachrichten vom Knall der Atombombe erfährt, fährt er mit seiner Patchwork Familie rasch zum riesigen Anwesen von Ian. Der reiche Mann hat für den Fall der Fälle vorgesorgt und auf seinem Grundstück eine autarke Infrastruktur aus Solarenergie, Getreidesilos und Plantagen angelegt.
Um sie in unsicheren Zeiten gesichert zu wissen, benötigt er die Hilfe von Jeff und seinem Söldnerkommando.
Neben Jeff und Familie findet noch Ians Schwester samt Anhang Zuflucht.
Nun gilt es, die Tage des Aufruhrs zu überstehen.

Während die Männer auf dem Stützpunkt die Rationen der Vorräte im Auge behalten und die Grenzen zum Grundstück sichern, fühlen sich die Frauen unwohl. „Wenn wir so viele Vorräte haben, warum holen wir dann nicht die Überlebenden zu uns herein?“
Ja gut, da ahnt man rasch die Thematik des Films.

Fortan erleben wir die Damen und Herren häufiger in Dialogen über „Wir müssen uns schützen“ vs. „Wir müssen die Welt zu uns hereinlassen“. Das ermüdet, denn es passiert drumherum irgendwie gar nichts.
Die Menschen, die vor dem Chaos im Land fliehen und Zuflucht in der „Arche“ Ians suchen, campen vor dessen Grundstück und warten still und höflich, bis sie dann vielleicht doch eingeladen werden. Falls nicht, tja… wer weiß.
Die Stimmung ist absolut friedlich, da brennen auf dem Campingplatz bei Wacken mehr Lagerfeuer.

Die einzige Bedrohung geht von eimem Politiker der Stadt aus, der zunächst einen Strafzettel für zu wenig aufgestellte Dixie-Klos ausstellt, um später mit einem SWAT-Team Lebensmittel für die Stadt zu verlangen – diese abzugeben sei schließlich Ians Pflicht.

Dazu gibt es eine harmlose Teenie-Romanze und im letzten Drittel gibt es dann ein Treffen mit Gott.

Letzteres war nur eine Frage der Zeit, schließlich wurde der Film von den Angel Studios produziert. Das alles erklärt dann auch die deutlich spürbar angezogene Handbremse. Außer zwei Menschen, die sich unmittelbar nach der Atombombe vor einem Kaufhaus um Toilettenpapier streiten, gibt es im Grunde keine Handgreiflichkeiten.
Das Einkaufszentrum wird aus Gründen der Apokalypse geschlossen, die davor wartenden Menschen zucken mit den Schultern und fahren dann eben wieder nach Hause.

Und so werden im Zeichen des Terrors beinahe alle Menschen als vernunftbegabt geschildert – außer eben Jeff, der mit seinen Waffen „das Böse zu uns brachte“ – wie Ians Frau aus dem Off schildert.
Die Auflösung des Films ist dann so christlich wie naiv. Immerhin wissen wir dann, dass mit der Aufnahme von Flüchtlingen das Problem des Fachkräftemangels schwuppdiwupp gelöst wird.
Und die Menschen halten sich an den Händen und teilen ihr Brot.

Gut, in diesem kleinen Mikrokosmos eines großen Grundstücks in Amerika mag das noch so passen. Das offensichtliche Bildnis der politischen Lage weltweit wird in dieser Form wohl eher nicht befriedet werden.
Aber möglicherweise interpretiere ich da zu viel herein und „Homestead“ richtet sich ausschließlich an die amerikanische Bürgerschaft.

Ach: Ich vergaß zu erwähnen, dass zu Beginn des Films Jeffs Pflegetochter mit einer Zeichnung den Wurf der Atombombe vorausgesehen hat. 110 Minuten lang ist dieses Kind höhchstens im Hintergrund zu sehen – ihre offensichtlich angedeutete Gabe wird nicht in einem Satz erwähnt. Dann macht uns der Film im Abspann auf die Serie „Homestead“ aufmerksam, in der das Kind dann doch der inhaltliche Mittelpunkt wird.
Puh…

Dass es sich hier um den Pilotfilm einer Serie handelt, kann ich gut verschmerzen. Die Geschichte ist im Grunde zu Ende erzählt – was die Serie hier noch für Fässer aufmachen möchte, weiß ich nicht. Vielleicht doch eine Bedrohung von außerhalb der Grenzen???

„Homestead“ ist ein Katastrophenfilm in Ultralight Variante. Das ist einerseits erfrischend, wenn zum Beispiel verschiedene Ansichten über das Verhalten im Ernstfall aufeinanderprallen, dann aber wieder ermüdend, wenn diese Dialoge allesamt ins Leere laufen und es letztlich Gott ist, der mit einem freundlichen Wink alle Diskussionen zu beenden weiß.

Zuletzt haben wir einen Film, der solide produziert und gefilmt ist. Darstellerisch agieren alle Figuren limitiert. Das Drehbuch ist naiv und schönredend geschrieben. Die Dialoge sind häufig dämlich, die Situationen, in die die Figuren geraten sind teils sehr blöd.
Beispiel: Eine Familie fährt getrennt vom Vater zu Ian. Dieser erreicht das Grundstück ein paar Tage später. Vorwurfsvoll fragt seine Frau: „Wo warst du die ganze Zeit gewesen?“ Er: „Sorry, ich war noch kurz in Las Vegas“… ja, gut!
Solche Dinge geschehen am laufenden Band.

In Summe haben wir einen Film, der sich zwar auf eine interessante Prämisse stützt, diese aber auf sehr wackelingen Beinen steht. Je nachdem, wie wenig empfänglich man für die Sprache Gottes ist, stürzt das Konstrukt dann auch eher früher als später zusammen.
Und doch lässt sich das Ding irgendwie zu Ende schauen. Häufig fragt man sich, wie der Film funktioniert hätte, wäre eine Bedrohung (egal ob innerhalb oder außerhalb des Grundstücks) existent gewesen.
So geht man nach gut zwei Stunden aus dem Saal heraus und hat irgendwie keine Lust auf die hier anknüpfende Serie.

4,5/10

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Der Salzpfad

„Das Leben ist ein Weg“ oder „Der Weg ist das Ziel“… hat man sicher ein- oder zweimal gehört.
Je nach Lebenssituation greift man auch selbst zu solchen Floskeln… was aber, wenn es ernst wird?

Moth und Raynor haben alles verloren. Durch eine Fehlinvestition verlieren sie ihr Haus und ihr Eigentum. Für das Studium der Kinder wurde zum Glück bereits gesorgt – sie entkommen somit dem größten Schlamassel.
Um das Erlebnis abzurunden, wird bei Moth eine seltene Krankheit festgestellt, die ihn in bis zu fünf Jahren dahinraffen lässt.
Der Staat ist hier keine Hilfe: Das Paar hätte eine Notunterkunft bekommen können, wäre die Lebenserwartung des Gatten nicht länger als ein Jahr. Pecht gehabt… oder so.
Eine Schnapsidee, die aber zugleich das einzige Licht am Horizont verspricht:
Eine Wanderung am englischen Küstenwanderweg entlang soll den Kopf frei machen und Lösungsideen für die Zukunft versprechen.
Gut 1000 Kilometer warten nun darauf, bewandert zu werden.

Filme über das Wandern zur Selbstfindung gibt es bereits einige. Nachhaltig in Erinnerung blieb mir „Into the wild“, der allerdings in eine andere Kärbe schlägt. „Wild“ ähnelt dem Ganzen schon eher.
Und wer solche Filme kennt, der weiß, dass es nicht holtertipolter von einem Gekloppe zum Nächsten geht. Kein Schnittgewitter, keine Action, die den Zuschauer in den Sessel presst.
Für gewöhnlich lässt man die Landschaft in wunderschönsten Bildern einfangen, dazu der eine oder andere Kalenderspruch und fertig ist der heilende Film.

Moth und Raynor erfahren zunächst keine Heilung. Sie leben von der Hand in den Mund, schmerzende Blasen an den Füßen, verständnislose Blicke anderer Menschen, wenn sie ein Dorf betreten.
Das Wetter schlägt um. Mal bitterkalt, dann stürmisch und nass. In der Hitze ist jeder Tropfen Wasser kostbar – es zu kaufen verschlingt die letzten Gelder, die sie bei sich tragen.

Der Zuschauer ist begleiter beider Figuren. Kurze Episoden mit Menschen, die ihnen auf ihrem Weg begegnen, enden auch mal abrupt. Warum? Weil es im Leben so ist.
Hatte ich bei den vergangenen Filmen in der Sneak die unnötige Länge bemängelt, kommt man hier kurzzeitig an den Punkt, wo man schnell den Finger heben möchte.
Die dann aufgetane Episode schließt aber auf unaufgeregte Weise den begonnenen Kreis und macht sie somit wertvoller als zunächst empfunden.

Es bleibt nicht aus, darauf hinzuweisen, dass der Film auf wahre Begebenheiten beruht. Das Paar ist echt, die Frau hat bei der Wanderung Notizen geschrieben und diese später als Buch veröffentlichen lassen.
Bestseller – klar!

Im Abspann dann die Namen der Darsteller. Gillian Anderson!
Ui – seit dem Akte-X der Neuzeit habe ich sie in keiner tragenden Rolle gesehen (zumindest nicht wissentlich).
Meine Überraschung war groß – uneitel und bockstark wie sie Raymor verkörpert.
John Isaacs als Moth steht in nichts nach. Die Chemie beider Darsteller miteinander ist glaubhaft und stets greifbar.

Die Landschaftsbilder sind nicht übertrieben beschönigt, aber dennoch ein Blickfang. Die Lust, auf diesen Wegen zu laufen, ist schnell geweckt.
Die Lösung auf die bedeutensten Fragen der Welt wird während dieser Wanderung nicht versprochen, was vielleicht der größte Gewinn des Films ist. Am Ende ist man seines Glückes Schmied… ob man vorher gewandert ist, oder nicht.
Wenn man empfänglich für das Thema „Selbstfindung auf fremden Wegen“ ist, sollte man hier unbedingt einen Blick riskieren.
Inhaltlich und spannungstechnisch ist es, wie erwähnt, kein Brüller – dafür ist es gefühlt aus dem Leben gegriffen und ergreifend gespielt.

Für mich bisher der beste Sneak-Film 2025. Ruhig, einfühlsam. Zwar mit etlichen Rückblenden (die ich bekanntermaßen nicht mag), die die Stimmung des Films aber nicht zerstören.
Manch einer mag sich daran stören, dass angefangene Begegnungen und/oder Themen nicht final zu Ende gebracht werden… aber ich halte den Fokus richtig gesetzt.
Schwer zu beschreiben, warum der Film packt – aber er packt mich.

9/10

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

Kung Fu in Rome [Sneak Preview]

1979 führte China die Ein-Kind-Politik ein, um der Überbevölkerung im eigenen Land zuvor zu kommen. Sagt man so, tatsächlich gab es in China weiterhin Familien mit zwei oder mehr Kindern – eben auch weil im Falle der Altenpflege die Kinder der zu pflegenden Person einspringen müssen.
„Kung Fu in Rome“ beginnt dann auch reißerisch mit diesem Thema. Eine Familie auf dem Land hat tatsächlich zwei Töchter, von denen eine im Schrank versteckt wird, wenn Besuch naht.

Schnitt: Scheinbar ist eine der Schwestern erwachsen geworden. (Indes gibt es auch die Ein Kind Politik nicht mehr).
Sie lässt sich über die Grenze schleußen und wird in einem Undergrund Bordell begutachtet.
Es stellt sich heraus: Mei sucht ihre Schwester Yun, die hierher verschleppt wurde und fortan als Prostituierte arbeitete.
Yun ist aber nicht da, also rappelt es im Karton. Mei ist nämlich Kung Fu Superstar!
Warum? Vielleicht weil sie das Kind im Schrank war? Wer weiß das schon…

Während ihrer Keilerei verprügelt sie dann auch Marcello, der eigentlich nur das Essen in seinem Restaurant kochen möchte.
Witziger Zufall: Sein Vater hat seine Mutter wegen einer chinesischen Prostituierten sitzen lassen und ist abgehauen.
Man muss nicht sehr pfiffig sein um zu erahnen, dass die zwei sich nach diesem unschönen Erstkontakt nochmal begegnen werden…

Die Story ist Humbug, aber das will sie wohl auch sein. Kloppen und Trash passen eben gut zusammen, das schont das Hirn beim Biertrinken (irgendwie will man sich den Film ja schön schauen).
Woran man das merkt? Die Story will sooo vielschichtig sein, vergisst dabei aber, die Figuren zu entwickeln. Alle sind eindimensional, vergessen Trauer und Wut bei der kleinsten Ablenkung und kehren auch nicht wieder dahin zurück.
Stellt euch einfach mal vor, ihr buddelt ein Loch und findet darin die Leiche eures Vaters. Schreck und Trauer… bis eine Stunde später der Freund des Papas um die Ecke schlendert und Kalendersprüche raushaut. „Ach, nimm es nicht so schwer!“… ja gut, dann geht ihr eben nach Hause und sagt Mama, wie wunderschön sie sei. (OK, Sabrina Ferilli als verlassene Mama ist ein Hingucker!!)
Im weiteren Verlauf des Films gibt es dann noch einige Menschen zu rächen und Tode zu sterben.
Alles vor der schönen Kulisse Roms? Na ja…. hier gibt es eine einminütige Erwachen-der-Liebe-Sequenz, der Rest spielt in Restaurants und Wohnungen.

Sozialkritik, Kritik am Umgang mit Migration, das Herz des kleinen Menschen und der Hass des Reichen Mannes… ach, war ein Film jemals romantischer?
OK, das sind Punkte für die B-Wertung.
Ein Kung Fu Film will ja mit Gehaue glänzen. Das bekommen wir zwei, dreimal zu sehen.
Der Rest ist eine Achterbahn der Gefühle… nur ohne Emotionen.
130 Minuten lang gibt man dem Film Zeit.
Entfalten tut sich nichts, der zur Aufmerksamkeit willige Zuschauer wird nicht belohnt. (natürlich höchst subjektiv. FILMSTARTS haut hier 4 von 5 Punkten raus – also nahe Meisterwerk)

Schauspielerisch ist man hier höher motiviert als die Kollegen bei Wilhelm Tell, eine Chemie zwischen den Figuren ist aber jeweils dialogbedingt erklärbar. Spürbar ist nichts.
Alles ok, wenn man den Film um einen Punkt herumspinnen würde. Dann wäre nach 90 Minuten Schluss und gut – so fragt man sich, warum man zum Schluss nochmal 30+ Minuten draufpacken will.
Ja klar, der Twist vor dem Twist und so….

OK zu schauen, aber viel zu lang! Einmal eingenickt, nichts verpasst – ist immerhin auch etwas wert.

5/10

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

Wilhelm Tell [Sneak Preview]

Nachdem das Kinojahr sehr solide anlief, ging den Sneaks in den vergangenen Wochen scheinbar ein wenig die Luft aus.
Zeit also für strahlende Folklore vor malerischer Kulisse… Hach!

Wilhelm Tell ist mit seinem Stiefsohn in den Bergen der Schweiz auf Jagd, als ihnen ein Bauer auf der Flucht begegnet. Er hat den Steuereintreiber des König von Habsburg getötet, weil dieser widerum des Bauers Frau des Lebens erleichterte.
Tell verhilft zur Flucht, was dem König missfällt. Dieser will nun mit angemessener Härte den Fall des flüchtigen Bauern klären und schickt seinen härtesten Lakeien in das Nachbarland. Seine Nichte soll ihm dann als Belohnung dienen – bloß dumm, dass sie einen eigenen Kopf hat und einen schweizer Freiheitskämpfer toll findet.
Es passiert, was passieren muss – alles kreuzt und quert sich. Man weiß, dass Tell der Antreiber einer Revolution sein könnte und will ihn ausschalten, was man aber nicht machen möchte, weil es dann eine Revolution auslösen könnte.
Also soll er einen Apfel vom Kopf seines Stiefsohnes schießen.
Hilft aber nichts, es wird danach munter weiter verhaftet, geflüchtet, gekloppt, Fallen gestellt, Fallen entflohen, Hinterhalte gelegt und so weiter und so fort.

135 Minuten lang ist dieser Murks!
Dabei ist der Film bis knapp zur Hälfte ordentlich anzuschauen. Die Kamera fängt teils wunderschöne Bilder ein, das CGI bei allen Wasserszenen ist unterdurchschnittlich.
Kostüme und Settings sind ok, man merkt aber deutlich, dass man den Euro für den Nachtisch am Set bei den Komparsen gespart hat. Klar, zu jener Zeit gab es die 9 Milliarden Menschen noch nicht, aber etwas mehr als 20 Leute für eine Stadt hätte man sicher aufgabeln können.
Die obligatorisch geplünderten Dörfer kommen dann mit gut 10 daherfallenden Menschen aus, gut 30 Menschen ziehen dann aus um des Königs Truppen den Zahn zu ziehen….
Ja, muss man eben mögen.

Ging es bis zum Goldenen Schuss noch ein bisschen um Erklärbären, wer gehört zu wem und was will man denn überhaupt, geht die wilde Superhelden Action im zweiten Teil dann mal richtig los.
Das Hin und Her in dieser Stunde ist dabei aber zu viel des Guten. Das Ende verspricht dann mit einem Mini Cliffhanger eine Fortsetzung (um Himmels Willen!)… na ja.

Wilhelm Tell ist kein völliger Griff ins Klo, aufgrund der teils schön eingefangenen Bilder immerhin in den Durchschnitt zu heben. Spar- und Regiezwänge ergeben Szenen, die vor Verwunderung die Augenbrauen hüpfen lassen.
Schauspielerisch ok, im Gedächtnis bleiben aber weder Schauspieler noch Rollen.
Selbst Tell an sich ist absolut blass… ok, Biopic eben.

5/10

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

hal9000b schrieb:

Dirty Harry (Disc)
Auf jeden Fall ein Klassiker. Nirgendwo alt. Einer, den man häufig schaut.
9 / 10 Stoiker

Schön, dass Du zu dieser Filmreihe gefunden hast! Viel Spaß mit den Folgeteilen – Teil 2 wird teilweise besser bewertet als der Erste. Und bei einer Szene im dritten Teil bekomme ich heute noch Gänsehaut…

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

The Ugly Stepsister [Sneak Preview]

Habe ich mich doch hin und wieder darüber beklagt, dass einige Filme wenig Herz haben, flimmerte vorige Woche ein Märchenfilm über die Leinwand. Ja, was kann da noch schief gehen?
Aschenputtel, vermutlich eines der Big Four Märchen der Gebrüder Grimm, bekommt nun also einen neuen Anstrich.
Der Clou: Man möchte sich nicht mit dem hübschen Ding auseinandersetzen – wichtiger ist es doch, dem „Bösen“ eine verständnisvolle Tiefe zu schenken.

Elvira und ihre Schwester Alma sind in heller Aufregung: Ihre Mama heiratet. Ein stattlicher, älterer „Von und zu…“ soll es sein. Elvira aber interessiert sich mehr für die Lyrik des Königsohns – so ein romantischer Mensch. Sie weiß genau: Sie wird seine Prinzessin sein!
Zunächst aber stirbt Stiefpapa beim Hochzeitsessen. Irgendwie blöd, besonders als Mama herausfindet, dass der Mann nicht das erhoffte Geld im Keller liegen hat. Da liegt jetzt aber der tote Mann und wartet auf seine Bestattung.
Nun ist also guter Rat teuer, denn so ein Schlösslein mitsamt Personal will bezahlt sein.
Da Alma noch nicht im sexfähigen Alter scheint, liegt die Hoffnung allein auf Elvira… doch sie ist einfach zu hässlich.

Wie es der Zufall will, bittet alsbald der Prinz alle Jungfrauen des Landes zum großen Ball. Dort möchte er seine Braut wählen. Die Aufregung ist groß, die Konkurrenz scheinbar übermächtig. Fast alle Damen sind schlank und schön, beides will nicht so richtig auf Elvira passen. Kosmetische Chirugie muss her! Und die verspricht tatsächlich Wunder.
Um zur Schönheit zu reifen, muss Elvira aber Einiges über sich ertragen…. wird ihr der Königsohn dann als Lohn gereicht?

Man munkelt ja seit Jahr und Tag, dass Märchen durchaus voller Gewalt und Gräuel seien. Tatsächlich werden Kinder vom Vater im dunklen Wald ausgesetzt, eine böse Hexe trachtet nach dem Leben eines Babys und ein hässliches Mädchen verstümmelt sich die Füße, um in einen Schuh zu schlüpfen, der ihr ewiges Glück verspricht.
Man stelle sich mal vor, man würde verfilmen wie die böse Hexe im Ofen verbrennt, wie sich Rumpelstilzchen entzwei reißt… und ja, da gab es doch schon Filme zum Thema? In Erinnerung geblieben ist mir „Gretel und Hänsel“. Bildgewaltig, blutig und gruselig. Aber auch mit erzählerischen Schwächen.
In eine ähnliche Schiene möchte man mit „The ugly Stepsister“ auch. Gesellschaftskritik (eigentlich Männerkritik, aber das ist ja das selbe) und der feminine Blick stehen hier im Vordergrund. Die Wahl, die Geschichte aus Perspektive der bösen Stiefschwester zu schildern, ist dabei ein gängiges Mittel.
Erzählt sie dabei etwas neu? Schafft sie neue Perspektiven?
Nein und ja…. jedenfalls dann, wenn man die Vorlage genügend beugt. In meiner Erinnerung hat es Aschenputtel mit der bösen Stiefmutter und ihren bösen Stiefschwestern zu tun. Hier genügt man sich damit, dass eine von Beiden „ein hoffnungsloser Fall“ in Schönheit sei. (Liegt natürlich im Auge des Betrachters, aber wirklich mutig ist man bei der Besetzung nicht gewesen)
Die Mittel, die Elvira in die schönste Jungfrau des Landes verzaubern sollen, sind schmerzhaft, entwürdigend, blutig und ekelhaft.
Hier hält die Kamera mit Genuss drauf. Sogar Chirug und Mama können sich ein Lachen nicht verkneifen, wenn Elvira sich vor Schmerz windet. „Wer schön sein will, muss leiden“… ach könnte man diese Volksweisheit doch in Bilder umsetzen können
Böse indes ist Elvira nicht. Alma auch nicht.
Da wird Agnes durchaus etwas zickiger gezeichnet. Wie wir aber wissen, ist ihr Vater gestorben und die Stiefmutter verbietet ihr den Sex mit dem Stallburschen – da kann die Stimmung eben schnell kippen.

Und so erzählt sich Aschenputtel eben wie Aschenputtel (mitsamt Kürbis…. Junge, wer hatte denn die Idee?), nur steht man hier in einer anderen Ecke des Raums. Überraschungen gibt es keine. Neue erzählerische Perspektiven sind gelöst vom eigentlichen Thema und im Kern zu vernachlässigen (was nicht verhindern wird, dass über diese Ereignisse philosophiert werden darf).
Schauspielerisch bekommen wir viel Gutes präsentiert. Lea Myren, Flo Fagerli und Thea Sofie Loch Naess sind als holde Damen mehr als sehenswert. Auch Anne Dahl Torp als böse Stiefmutter feiert ihre Rolle mit großer Spielfreude.
Alle anderen fallen dabei kaum auf. Macht aber nix, die sind eh nur Beiwerk.
Die Bilder sind vielfältig. Meist dunkel und bedrohlich im Schloss, hell und satt in der Natur, bunt und schrill in Elviras Fantasie. Eingespielte TikTok Szenen weißen deutlichst darauf hin, was eigentlich kritisiert werden will – mich aber störten sie sehr im Film. (Anders im Trailer, da wirken die Szenen durchaus nutzbar)
Der Soundtrack ist für einen Märchenfilm teils gewöhnungsbedürftig. Techno/Dance/Ambiente… weiß nicht, wie das heißt.
Fügt sich gut in den Ton, den man der Geschichte verleihen möchte… auch hier scheue ich mich nicht zu sagen, dass es mich immer wieder aus dem Film herausgenommen hat.

Im Gedächtnis bleiben wird er wegen dieser Punkte allerdings weniger. Mit expliziten und schonungslosen Szenen werden Nasenoperationen, das Installieren von „Permanent Makeup“ und das Befreien von überflüssigen Körperpartien sichtbar gemacht.
Als Horrorfreund bin ich da einiges gewohnt, wenn es an die Augen geht, bin ich aber leicht angreifbar. Die hier gezeigte und genüsslich ausgereizte Szene war dann auch eine Herausforderung für mich.
Andere Szenen sind auch nicht ohne.
Und am Ende siegt dann halt nicht die Liebe.. oder doch, oder was?
Anders als das Märchen verabschiedet man sich verwöhnlich von Stiefmutter und ihren Töchtern.
Nachdem die Mutter klagte, mit ihren „schlaffen T***en“ keinen Mann mehr abzubekommen, rumpelt es ordentlich im Schlafzimmer. Elvira verliert nicht nur ihre neugewonnene „Schönheit“, bekommt aber die Liebe eines Pferdes.
Und Alma verabschiedet sich als die einzige Vernunftbegabte im Ensemble… ja, Rollen zeichnen kann manchmal so einfach sein

Kurzum: Die gewählte Perspektive des Märchens macht Spaß, verliert aber an Schärfe, indem man einige Prämissen (leicht) verändert.
Der plazierte Humor (huch, wurde zuvor gar nicht thematisiert) weicht das Seherlebnis auf. Hätte man allein auf den dunkeln und blutigen Aspekt der Geschichte gesetzt, wäre ein durchaus harter Streifen rausgekommen. So setzt man auf das gewohnte Spiel von Lachen/Schocken/Lachen. Tatsächlich laden einige Szenen zum Schmunzeln ein, besonders schwarzhumorig in der finalen Pointe, die mir in Summe dann aber doch zu schwer aufträgt.
Warum der Fim aber so „Hinternfixiert“ ist, kann ich schwer deuten. Klar, eine Frage des Einsatzes: Elvira sitzt nur drauf, während Agnes andere Dinge damit vollführen kann. Inhaltlicher Mehrwert? Wir lachen über Penise und Ergüsse… ja, Lachen/Schocken/Lachen.

„The Ugly Stepsister“ ist durchaus erwähnenswert und wird in einigen Jahresrückblicken als Top10 Kinoerlebnis genannt werden.
Mir fehlt da ein wenig um es wirklich stimmig zu machen. Aber: Den Schockeffekt hat man sich redlich verdient. Die Message ist simpel und klar. In vielen Teilen schön gefilmt, in anderen Szenen treibt man aber zu viel Schindluder.
Schauspielerisch schenkt man uns durchaus beeindruckende Momente, lässt das Potential in einigen Szenen aber leichtfertig fallen (gemäß dem Motto: „Guck mal doof… ach, reicht schon“)
Dass ich mich mit eins, zwei Worten mehr diesem Film widme, zeigt, dass er einige Punkte richtig setzt.
Vom oft genannten Meisterwerk ist er zwar ein gutes Stück entfernt, als Beitrag des modernen Gruselkabinett aber sehr sehenswert.

7,5/10

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

Zuletzt und zwischendurch auf Prime Video gestreamt:

G20
Die Präsidentin der USA ist bei diesem G20 Gipfel in Südafrika nicht zu bändigen!

Actiontrash, für den man in der richtigen Stimmung sein muss. War ich nicht, gefiel mir nicht sehr. 4/10

Arcadian – Sie kommen in der Nacht
Ein Mann und seine zwei Söhne versuchen in einer Post-Apokalypse zu überleben.

Der übliche Monster-überfallen-Erde Klischeefilm. Kreativ in der Wahl der Monster, Story lahm, dafür eine handvoll schöner Aufnahmen. 4,5/10

A Working Man
Blau auf dem Bau war gestern, hier nimmt es ein Bauarbeiter mit einer Red-Room-Lobby auf.

Der Film hat mich stellenweise positiv überrascht. Kein Glanzstück, aber immerhin ein Hauch von Handlung und die eine oder andere schöne Drehbuchentscheidung. Solide inszeniert, von den Figuren verdient niemand einen Beliebtheitspreis. 5,5/10

Over the Top
Ein Trucker begegnet seinem entfrendetem Sohn und erklärt ihm auf dem Highway das Leben.

Den Film mochte ich als Teenie sehr. Kein Wunder: Starker Soundtrack, coole Sprüche, und geiler Armdrücksport zum Nachmachen in der Schule. Heute muss ich zugeben, dass der Film außerdem recht doof ist, aber hey… starker Soundtrack, coole Sprüche… 7/10

Zeugin der Anklage
Ein Mann steht im Verdacht, eine wohlhabende Dame ermordet zu haben. Vor Gericht hofft er auf das Alibi seiner Frau, was aber ausbleibt.

Ein Film, der Geduld fordert. Dazu in schwarz/weiß. Charaktäre, die mit einem Augenzwinkern gezeichnet sind und eine bitterböse Geschichte. Schaue ich gerne noch einmal. 8/10

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

@fkklol

Ich musste das einfach erwähnen, weil der Vormittag um längen spannender und kurzweiliger war, als der Film am Abend
Hoffentlich liest Hollywood nicht mit, sonst kommt bald der „Wasp-Man“

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

On swift horses [Sneak Preview]

Vor ein paar Wochen hatte ich neue Wellplatten auf unseren Sommergarten verlegt. Als es Montag regnete, stellte ich fest, dass ich an einer Stelle unschön verlegt hatte. Es tropte rein.
Im Frühjahr haben Feldwespen ein Nest in einem der Regale im Sommergarten gebaut. „Halb so wild“, sagte meine Frau. Die tun nichts.
Tatsächlich werkte ich beim Verlegen der Platten sehr nah am Wespennest, ohne von den Tieren behelligt zu werden.
„Freund?“
„Freund!“
Nachdem ich nun also die neu zu verlegende Platte abgenommen hatte und zur Seite stellte, rutschte sie ab und stieß leicht gegen das Regal, in dem Wespen hausen.
Aufgeregtes Schwirren, ich hob entschuldigend die Hand, aber sie hatten wohl einen schlechten Tag erwischt. Fünf zogen direkt auf mich los, setzten sich mir in den Nacken und auf den Hinterkopf.
Mit sanftem Wischen konnte ich sie von mir lösen und sie griffen auch nicht weiter an, aber dennoch hatte ich einige Stiche abbekommen, die nun schmerzhaft pochten.

Nachdem die Stellen ein paar Minuten lang gekühlt wurden, ging es wieder besser. Etwas später ging ich noch Joggen, später am Tag setzte ich mich für eine schnelle Runde auf das Fahrrad. (Stadt- und Schulradeln)
Am Abend dann der gewohnte Weg ins Kino.

Und an dieser Stelle sei erwähnt, dass mein Rendez-vous mit den Wespen mehr Dramatik und erzählerische Spannung enthalten, als der zu schauende Film.

USA zu Zeiten des Koreakriegs. Lee will Muriel heiraten. Sie zögert. Dann kommt Lees Bruder Julius verwundet aus dem Krieg zurück. Schnell wird klar: Muriel will Julius! Und Julius will Muriel!!
Sie nimmt nun einen weiteren Hochzeitsantrag von Lee an und stellt in Aussicht, dass sie nach dem Krieg mit Lee und Julius ein gemeinsames Haus im Süden bewohnen will. Ja…. wer kennt das nicht.

Doch es kommt anders. Lee und Muriel sparen sich vom hart erarbeiteten Lohn das Geld für ein eigenes Haus zusammen, Julius landet als Glücksspieler in Las Vegas. Dort will er für ein Casino Falschspieler aufdecken, die hauseigenen Schläger sind für Unterstützung dankbar.
Muriel indes geht heimlich zur Pferdebahn und wettet auf die Rennen. Dabei erwirtschaftet sie ein größeres Vermögen, dass sie vor ihrem Mann versteckt – in Briefen an Julius aber offenbart.
Dieser lernt bei der Arbeit Henry kennen. Sie verlieben sich.
Im Amerika der 50er Jahre natürlich hochgefährlich – aber als Glücksspieler hat er scheinbar den Mut zum Risiko.

Muriel, ebenfalls vom Glücksspiel begeistert, wird fortan spitz, wenn sie andere Frauen sieht. Zunächst die ländlich wohnende Carla, dann eine geheimnisvolle Frau auf der Rennbahn. Mit der einen möchte sie, mit der anderen hat sie dann eine Affäre.

Man schaut den Film an und fragt sich, an welcher Stelle das nun relevant werden könne? Wo führt das hin, wenn sie trotz allem vom Sex mit Julius träumt, während ihr Mann schlafend neben ihnen liegt?
Sicher, man kann sich im historischen Kontext einige Dinge zusammenreimen. Die Konsequenzen, in einer homosexuellen Beziehung erwischt zu werden, war ähnlich gravierend wie die, beim Glücksspiel zu mogeln.
Aus einer Dreiecksgeschichte entspinnt sich ein Kreuz und Quer an Gefühlen. Das Entdecken der eigenen Homosexualität ist mit zahlreichen Sexszenen belegt. Die Bilder, die davor und danach entstehen sind teilweise spannend.
Was aber treibt die Figuren an? Was hält sie zusammen und der Verlust dieser Liebschaften ist dann auch nur in Worten als schmerzhaft spürbar. Schauspielerisch weiß hier außer Will Poulter als gehörnter Ehemann und Bruder keine Lösung anzubieten.

Ein Film, der viel Drama und Leidenschaft erzählen will und sie darstellerisch mit ständig angezogener Handbremse vollführt.
Erinnerte mich ein wenig an „Loving“, wo die Bindung und Tiefe (für mich) nur aus dem erzählerischen Kontext heraus greifbar war.
Das permanente Hin und Her zwischen den Figuren tut dem Film nicht gut und lässt die erzählerische Tiefe und die Bedeutung ihrer Erfahrungen vermissen.

Als nach drei oder vier Stunden dann endlich eine Szene kam, in der zwei Figuren aufrichtig miteinander umgingen und die zerrütete Gefühlslage spürbar wurde, verpufft dieser Effekt in der Moral, dass…. ach je.
(Hoppla, dabei hat der Film eine Laufzeit von 120 Minuten…)

Im Gegensatz zu einigen anderen Kinobesuchern habe ich kein Problem mit den vielen Sexszenen zweier Männer miteinander. Frau mit Frau ist im Film ja schon längst Gewohnheit und regt zu keinen Zwischenrufen an.
Der Film glänzt mehr mit vielen tollen Einstellungen. Einige Bilder sind schön eingefangen, das Ablichten von zwischenmenschlichen Begegnungen will dabei aber nur in Ausnahmen gelingen.
Ich vermute, dass der Regisseur seine Darsteller zur starken Zurückhaltung aufgerufen hat. Der Zuschauer soll sich vielleicht selbst erfahren und nicht von den Figuren leiten lassen.
Kann sein, aber dann kann die Story auch als Sprachmemo aufzeichnen und veröffentlichen.
Oder es ist schlicht Kunst, die man mir erklären könnte, die ich aber nicht sehen würde.

Lee, inszenatorisch als Depp vom Dienst dargestellt, ist das „Opfer“ in dieser Geschichte, der die Fassade des Bürgelichen (man beachte nochmals den zeitlichen Kontext) aufrecht erhält, bis sie gewaltsam eingerissen wird.
Sein Verständnis für die Figuren und deren Zwänge, in denen sie sich befinden, ist die Meisterleistung der Geschichte.
Tatsächlich aber findet sie nicht statt.

„On swift horses“ will Wichtiges und eigentlich Selbstverständliches vereinen, zu einer Zeit, in der das Abweichen des bürgerlichen Korsetts starke, persönliche Nachteile mit sich führte.
Doch leider ist davon nichts zu spüren und wenig zu sehen. Erzählt wird von Liebe, spürbar gemacht wird nichts.
„Show, don´t tell!“…

3/10

[DerSchweigerCommunity Mitglied Beiträge: 828@derschweiger]

From Dusk til dawn [Kino]

Vorige Woche lief „Irgendwann in Mexiko“ in der Rodriguez Reihe. Gesehen hatte ich ihn damals, war aber etwas enttäuscht über das Gesehene. Seither hatte ich auch keine große Lust auf ein Wiedersehen, so musste ich also eine Woche warten, ehe einer der wichtigsten Klassiker des „modernen“ Kinos erneut im Kino lief.

Seth und Richard haben eine Bank überfallen und schlagen sich einen blutigen Weg in Richtung der mexikanischen Grenze frei.
Doch wie sollen sie unentdeckt nach Mexiko kommen, wenn sie öffentlich verfolgt werden?
Glücklicherweise begegnet ihnen Jacob. Der Priester, der nach dem Tod seiner Frau den Glauben an Gott verloren hat, will mit seinen Kindern durch das Land reisen um den Kopf frei zu bekommen.
Der Adoptivsohn Scott scheint daran Gefallen zu haben, Kate hingegen vermisst den für sie notwendig erscheinenden Komfort.

Seths Plan ist es nun, mit Hilfe der Familie unentdeckt über die Grenze zu kommen und eine Nacht in einer Wüstenbar zu verbringen, ehe sie mit Hilfe von Carlos einen Unterschlupf finden können.
Das Blut, das ihnen an den Fingern klebt, wird ihnen aber möglicherweise zum Verhängnis werden…

Zwei Rebellen des 90er Kinos, die mächtig Staub aufwirbelten und die (meist) junge Zuschauerschaft auf ihrer Seite gewinnen konnten, arbeiteten hier an einem Film, der gekonnt falsche Fährten legt und Absurditäten des B-Movies im aufreizenden Gewand verkaufen konnten.
Damals hatte ich ihn schon im Kino sehen können. Eine gute Zeit für Filme mit Twists, denn ohne Internet gab es nicht sehr viele Möglichkeiten, unnötig gespoilert zu werden. Seinerzeit buchte man sogar das Ticket für einen Film, nur um den Trailer zum neuen Star Wars sehen zu können (ich nicht, aber mir sind Menschen bekannt, die es taten).
So saß ich damals da und freute mich über das Road-Movie, das schonungslos und brutal um die Ecke kam. Der schwarzhumorige Ton von Rodrguez und Tarantino stets greifbar, erwartete man den großen Knall.

Tja, und der wartet dann mit räudiger Rockmusik, Wüstenstaub unter den Schuhsohlen und leichten Bikerfrauen vor einer grell beleuchteten und heruntergekommenen Bar. Der Marktschreier verkündet, an jeder Ecke warten P***ies in jeder beliebigen Farbe, Duft- und Geschmacksrichtungen. Welchen jungen Kerl kann man damit nicht locken?
Ab hier steppt der Bär. Wieder Salma Hayek, die die Messlatte für sämtliche Stripclubs so hoch legt, dass diese im Grunde vor Enttäuschung der Kundschaft geschlossen werden müssten.
Das Blut spritzt, Körper fallen zusammen und schmelzen. Und… hä? Der sirbt jetzt schon? Und er auch?
Das hier gezeigte ist ein freudiges Austoben an Klischees und dem munteren Spiel mit den Erwartungen der Zuschauer.
Kurze Gewaltpausen werden mit gelungenen und schwungvoll geschriebenen Dialogen gefüllt. Meta at its best!
Es werden die üblichen Lösungsvorschläge aus Gruselklassikern zusammengetragen, die selbstredend ihre volle Wirkung entfallten. Das Blut spritzt weiter, Körperteile fliegen durch die Luft, die Helden bäumen sich zum letzten Gegenschlag auf.

Tja, und dann ist Schluss. Carlos kommt um die Ecke, einer der Bankräuber verhandelt um die Kosten für die Zuflucht. Eine weitere Überlebende Person wird einsam zurück gelassen.
Abspann.

Damals im Kino: „Was war das? Den müssen wir nochmal sehen!“
Montag im Kino: „Geiler Sch**ß!“
Tatsächlich waren unter den Zuschauern im Kino welche, die den Film noch nicht gesehen hatten und nur vom Hörensagen wussten, dass der „abgeht“. Und man kann festhalten, dass der Film heute noch genauso wirkt wie damals.
Zu grell die Klischees, zu gekonnt gewürzt mit Alltagssatire, als dass der Film verstauben könnte.

In der Machart ähnlich wie „Desperado“ kommt Dusk mit viel Schmutz und Blut daher. Die Dialoge, von Tarantino verfasst, machen einen guten Film zu einem sehr guten. Alleine die Sätze, die Seth während des Films sagen darf, sind teilweise Kinogold.
(An dieser Stelle der Einschub, dass ich kein Tarantino Fan bin und im Grunde nur drei seiner Filme mit Genuss schauen kann)
Inszenatorisch arbeitet man auf einem sehr hohen Level, die Kamera sehr klassisch aber punktgenau gehalten.
Darstellerisch bewegen wir uns nunmal in den 90ern. Mit Harvey Keitel und George Clooney hat man aber zwei Schauspieler, die dan Dampfer am Laufen halten. Großartig, wie sie ihre Figuren spürbar machen.
Tarantino als Psychokiller hat mir früher besser gefallen. Sein Auftritt hier ist zwar um Welten besser als in „Desperado“, aber man spürt leider schnell die Grenzen, an die er stößt. Zum Glück war er sich dieser bewusst und hat die Figur so geschrieben, wie er es füllen konnte.
Juliette Lewis stach damals schon aus der Riege der neuen Jugend (u.a. Ryder, Ricci) heraus. Trotz ihrer Jugend verkörperte sie stets verruchten Sex, wirkte rotzig und roh hinter der Fassade eines „süßlichen“ Gesichts. Dazu ist es Die aus „Natural born Killers“.
Sie spielt zwar deutlich besser als Ernest Liu ihren Stiefbruder verkörpert, stößt aber auch an Grenzen. In einigen Szenen scheint sie, für einen Augenblick ihre Rolle verloren zu haben.
Das ist natürlich kein KO-Kriterium, in Close-ups dann aber doch leider sehbar.
Der Rest vom Cast ist da, funktioniert in diesem lauten und grellen Rahmen aber wie die Faus aufs Auge.

Und doch: Bei B-Movies spricht man nicht über den herausragenden Cast, das Oscar würdige Schauspiel, sondern über die schrägen Ideen fernab des Mainstream, die Anarchie und das Ausgrenzen des gesetzten Mainstream.
Hier hat man die Grenzen des B-Movie gewaltsam gesprengt und einen siegreichen Einzug in das junge Kino geschaffen. Filme davor und danach sprengten ebenfalls ihre Ketten, bis diese Art Film dann doch irgendwann zu Tode genudelt wurde.
„From Dusk til dawn“ ist hier für mich die Speerspitze des 90er Krawallkinos. Der ebenso wichtige „Natural born Killers“ steht mit leichtem Abstand dahinter.

Tja, wer kann es erraten?
10/10 (auch wenn mir einige Schwächen des Films bewusst sind)

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